Wir betreten den Raum:

Unser Blick fällt auf die Arbeiten von Andreas Jentsch.
Was sehen wir da, oder was glauben wir zu sehen: verschwommene verwischte Farben, Lichtflecken tanzen darüber, Andeutungen von Formen, Spiegelungen, Reflektionen, die jedoch ihr Pendant in der Wirklichkeit verlassen haben, um sich fließend, beinahe musikalisch in einer abstrakten Komposition finden, freie Welten aus Farben, Übergängen und Ahnungen.

Kein Wissen und auch ein Glauben begleitet uns ins Bild, es ist etwas anderes, etwas außerhalb dieser Erkenntniswege.

In den Fotos von Sebastian Wenzel scheinen die Verhältnisse klarer: Er zeigt uns Wohnburgen: Groß und mächtig, schicksalsträchtig stehen sie da, menschenleer wie Raumstationen    .
Wohnburgen im Stuttgarter Umland, menschenleer, menschenfeindlich. Aber was wir sehen, sind keine neutralen Fotodokumente. Sehr virtuos hat Sebastian die Bilder bearbeitet, Perspektiven verändert, Fluchtpunkte verschoben. Auf diese Weise hat er die Wohnblocks in ihrer Wirkung überhöht und sie in große gleichsam soziale Skulpturen zu verwandeln. In ihrer brutalen Schönheit erzählen sie über die Träume und Albträume des menschlichen Wohnens auf dieser Welt, in unserer Zeit.

Architektur ist auch das Thema der Fotografien von Silviu Anastasiu
Wenn auch in ganz andere Art und Weise wie bei Sebastian. Seine Fotos entstanden in Bosnien, einem Land, das immer noch tief von den Auseinandersetzungen der vergangenen Jahrzehnte geprägt ist. Silviu arbeitet mit Überblendungen und Überlagerungen und erschafft so feingliedrige Gespinste aus Motiven und Strukturen. Er beschwört das Schicksal dieser Orte zwischen früher und heute zwischen Krieg und Frieden und erzeugt so einen Schwebezustand zwischen Vergehen und Werden, zwischen Letargie und Hoffnung. Es sind bedeutungsvolle Traumbilder, in denen verschiedene Geschichten in einander flüstern. Wird sich dieses Schicksalgespinst je auflösen?

Gegenüber die Fotoreihe von Rainer Schmid-Vasterling
Jedes Bild ein kleines Gedicht, eine Kostbarkeit aus dem Fluss des Lebens genommen: Der schwebende Gecko, der Tanz der Quadrate; Kopfstein, Schachbrett, Spiele in Gold und Silber, Schaufensterpuppe mit heroischem Blick in sinnlose Ferne, der freudig verzweifelte Flamingo. Steckt hinter alledem, eine Geschichte des Autors, eine die sich vielleicht auch in den „Nachtgedanken“ verbirgt, die er zwischen seine Bilder gehängt hat?

Nein, es ist nicht eine Geschichte: es sind viele. Es sind unsere Geschichten.

Weiter zur Bildwand von Edith Jourdan

Zufallsfunde, flüchtige Blicke aus aller Welt, im Vorübergehen, verschwimmend und verspiegelt, der Lauf der Zeit. Doch so vielfältig die Motive auch sind, die Bilder finden sich zusammen in einem fein bewegten Gleichklang, in Harmonien und Tönungen von blau und rot. Aber sie ziehen sich nicht ganz zurück in die Abstraktion, man spürt überall den Ort ihres Entstehens, sein Leben. Es ist, als würde man die Geräusche hinter den Bildern hören.
Stellen Sie sich davor und versuchen Sie, die Bilder zu hören.

Die großformatigen Kompositionen mit dem Titel „binäre Sicht“ von Kurt Joachim Kase scheinen sich völlig von der Wirklichkeit verabschiedet zu haben.

Ganz unterschieliche Motivwelten fügt er zusammen: man sieht sonderbare Schuppenberge, aus denen Lichter hervorbrechen, daneben neben Streifen in rot getauchten Waldes, im Bild daneben abstrakte schwarz-weiße Schlieren, sind es Bildstörungen oder vergrößerte Schmetterlingsflügel? Doch so surreal und artifiziell die Bildkomponenten wirken, keines der Motive ist nach Auskunft des Autors bearbeitet. er Komponiert Wirklichkeitsfragmente zu einem neuen fremden Ganzen mit einer befremdlich schönen Anmutung.

Gegenüber die Serie von Meinolf Gerling: Ein geradezu apokalyptisches Gewimmel von schwarzen Spuren, von Schlieren und Mikroformen, die wild durcheinander wirbeln, auseinander platzen, sich verbinden, explodieren. Hier scheinen Urkräfte zu wirken. Bilder von kosmischen Phänomenen oder aus den Tiefen der Materie. Aber was wir hier sehen, sind weder explodierende Mondlandschaften noch der Blick in Nanowelten. Sie sehen inversierte Bilder von Wasser, genauer: Bilder eines klaren kalten Wasserstrahls, der sich in einen Brunnen ergießt. Blicke in den unendlichen Formenreichtum des Zufalls; man meint sich ganz darin zu verlieren.

Auch das Holz auf Ulrich Siegrists Schwarzweiß-Fotografien scheint Augen zu haben. Alte wettergegerbte Bretter mit rauher Maserung und dunklen Astlöchern.
Aber sehen sie nur die vernarbten Holzgesichter auf Siegrists Fotos sind sogar im Gespräch miteinander: Sie erzählen sich vom Altern und Vergehen. „Ich will nicht älter werden“, sagt das erste verschobene Brett, „Weine nicht, wir werden alle älter“ meint der weinende Holz-Totenschädel in der Mitte, und die verquirrlte Maserung daneben meint: „Ja, aber meine Frau findet mein Gesicht immer markanter.“ Siegrist zeigt: ein probater der Weg, sich dem Altern zu stellen, ist die Flucht ins Absurde.

Von einer ungewöhnlichen, einer nüchternen Poesie ist die Arbeit von Hanns-Günther Högel. Hernandos Hideaway. Es handelt sich um eine Installation bestehend aus einer dokumentarischen Fotoreihe und einem Musikstück mit eben dem Titel „Hernando’s Hideaway“. Die Bilder entstanden in Portugal und zeigen Ansichten eines Grundstückes, in dem offensichtlich jemand vor Jahren vergeblich versucht hat, einen Traum vom schönen, zurück gezogenen Leben zu verwirklichen. Heute haben Natur und Zufall diesen „Hideaway“ übernommen und ihn in einen Garten melancholischer Verwahrlosung verwandelt. Es bleiben lediglich Ahnungen des ausgeträumten Traumes, die Hanns-Günther Högel mit dem Lied aus alten Zeiten begleitet, das die Sehnsucht nach Ruhe und Geborgenheit beschwört.

Eine feine Melancholie durch zieht auch die Werkreihe von Monika Lehn. Auch ihre Ansichten erscheinen wie Zufallsfunde. Schlichte, unspektakuläre Momente, eingefangen von einem sehr empfindsamen Blick. zerspiegelt schwebend, schillernd, zerteilt: Momente von Flüchtigkeit, Zerbrechlichkeit, Vergänglichkeit. Zwei Mal: Das Kreuzmotiv. Tiefe Blicke. Ein anrührender Reigen von nachdenklicher Schönheit.

 Was für ein großer Schritt zu den Arbeiten von Christiane Breitenbach und Ulrike König.

Die beiden gehen in die Vollen. Sie zeigen uns nicht nur Fotografin sondern ganze Filme Daumenkinos, und wer sich die Filmminiaturen ansieht, merkt, dass es dabei nicht nur um Daumen sondern um Damen-Kinos handelt. Frauenpower ohne Grenzen. Die beiden Ladys präsentieren sich uns in den absurdesten Situationen. Sie hampeln, balgen, verkleiden sich, essen, staunen, lachen. Ohne Sinn und Ziel. Katzentüte über ´m Kopf. Reine Anarchy, wie Paulo sagt. Dabei spielen sie fröhlich mit diversen Rollenbildern, Frau, Mann alt, jung alles durcheinander, ohne intellektuellem doppeltem Boden. Feminismus ohne Ideologie, aus Freude an der Kunst, aus Freude am Leben.

Am Schluss der Ausstellung steht eine in der Tat außergewöhnliche fotografische Arbeit. Es sind die Bilder von Gonde Kiessler

Für ihre Arbeit nimmt sie den Titel der Ausstellung auf und modifiziert ihn. „Ich glaube, was ich weiß“. Damit bringt sie das groß gewollte Thema der Ausstellung auf den Boden der Tatsachen zurück.
Kein Wunder, denn Gonde Kiessler ist Naturwissenschaftlerin und zwar von der härtesten Sorte. Metallographin.

Aber wie geht eine naturwissenschaftliche Haltung mit diesen wunderschönen, schwarz-weiß Fotografieren zusammen?, diesen herrlich abstrakten Landschaften, diesen wundervoll strukturierten Komposition, diesen sensationellen Bild Ideen die an Pop-Art, Op-Art oder psychedelische Kunst erinnern?

Ganz einfach, was sie hier sehen sind, sind keine künstlerischen Fotografien sondern das genaue Gegenteil: Es handelt sich um naturwissenschaftliche Dokumentationsfotografie, die Gonde Kiessler als Mitarbeiterin für die Materialprüfung in den fünfziger und sechziger Jahren mit Spezialmikroskopen geschossen hat. Auf den Fotografien sieht man die Materialstrukturen von Metallen, Legierungen und anderen Stoffen und deren Verhalten unter bestimmten physikalischen Bedingungen.

Die Schönheit in den Tiefen des Materiales, ihre ästhetische Qualität eröffnet sich erst hier in der Ausstellung durch unseren, durch unseren Blick. Ob die Bilder dadurch Kunst werden, ist eine große Frage, die ich hier nicht mehr angehe.
Gonde Kiessler auf jeden Fall kommt auch hier ohne Kunstpathos aus und verschenkt ihre wunderbaren Fotografien in der Ausstellung, also Antikunst, in markttechnischen Sinne.

Wissenschaftliche Dokumentation werden zu Antikunst, Wasserstrahlen zu Planetenexplosionen, Wohnblocks zu Riesenskulpturen. Eines ist sicher. Am Ende der Ausstellung wissen wir nicht mehr als am Anfang, hat sie unsern Glauben an die Bilder erschüttert? Ich denke nicht.

Und genau in diesem Sinne, hat diese Ausstellung etwas sichtbar gemacht, was schon die Philosophen der Aufklärung beschrieben haben, Immanuel Kant in seiner Kritik der Urteilskraft und vor allem Alexander Baumgarten. Nämlich, dass es Erkenntnisweisen außerhalb der Kategorien des Wissens oder des Glaubens gibt. Es ist die ästhetische Erkenntnis. Sie öffnen uns eine Wahrheit, die jenseits von Fakten und jenseits von Spekulation oder Spiritualität liegt. Es ist die Wahrheit der Poesie, die Wahrheit der Kunst.

In diesem Sinne, meine Damen und Herren, heute Abend hier und jetzt:

Nicht Glauben, nicht Wissen, einfach nur Schauen!