Andrea Büttner, 1972 in Stuttgart geboren, ist auch Kunsttheoretikerin. Sie hat Kunstgeschichte, Philosophie und Bildende Kunst in Stuttgart, Tübingen und Berlin studiert und wurde mit einer Dissertation zum Thema „Scham als ästhetisches Gefühl“ promoviert. Heute lebt die Künstlerin in London. Andrea Büttner ist Konzeptkünstlerin. Zwei der hier von ihr präsentierten Arbeiten gehören zu einer Serie mit dem Titel „Fallen-Lassen“. Ausgangspunkt der Arbeiten war eine Aussage des bekannten Künstlers Dieter Roth, die lautet „ich möchte das Werk Fallen lassen“. Dazu hat Andrea Büttner 16 befreundete Künstlerinnen und Künstler um Vorschläge gebeten, wie man diese Aussage Dieter Roths künstlerisch umsetzen könne. Hat sie bei der Hausausstellung in der Kunststiftung Anfang des Jahres einige der Ergebnisse der Instruktionen befreundeter Künstler ausgestellt, macht sie hier selbst Vorschläge. Den meisten werden die Tigerballons an der Decke aufgefallen sein. Sie werden im Laufe der 6 Wochen der Ausstellung von der Decke langsam zum Boden heruntergleiten. Auch wenn Andrea Büttner heute leider nicht physisch anwesend ist, kann man sie in der Ausstellung über eine Soundarbeit hören. In dem Soundpiece Corita Reading von 2007, liest die Künstlerin Texte der amerikanischen Ordenschwester Corita Kent. Corita Kent hat während ihrer Jahre als Nonne Kunstgeschichte, Kunst und Design studiert. 1968 hat sie sich dann von ihrem Ordensleben verabschiedet, um sich vollständig der Kunst zu widmen. Sie starb 1986 an Krebs. Andrea Büttner liest nun Corita Kents Werke. Als bildende Künstlerin hat Corita Kent Texte, die sich mit Spiritualität, Glaube, Liebe und der alltäglichen Begegnung mit Gott beschäftigen in ihre druckgrafischen Arbeiten eingebunden. Andrea Büttner hat diese Texte gesammelt und sie vom geschriebenen, illustrierten Wort zum gesprochenen Wort transferiert, ihnen eine neue Form gegeben und sich diese Worte der Künstlerin Corita Kent damit angeeignet.

Eine Erweiterung des Raumbegriffs auf einer ganz anderen Ebene sehen wir bei der Künstlerin Martina Sauter. Die 1974 in Konstanz geborene Fotografin lebt heute ebenfalls in Düsseldorf. Sie sammelt Filmstills im Fernsehen, oft von bekannten Filmregisseuren wie David Lynch oder AlfredHitchcock. Dabei legt sie bei der Auswahl der Filmausschnitte die Gewichtung nicht auf Schlüsselmomente der Handlung, die emotionsbezogen sind, sondern vielmehr auf räumlich transitorische Situationen: eine Tür, die sich öffnet, ein Protagonist, der auftritt. In ihrem Atelier erweitert sie diese Filmwirklichkeit, indem sie den Ausschnitt um einen erdachten, illusionistischen Raum erweitert. Diesen baut sie real nach, fotografiert ihn ab und fügt ihn mit dem Filmausschnitt zu einer neuen räumlichen Kulisse zusammen. Somit wird der fiktive Fortgang des Films umgeleitet und dieser durch zugefügte Objekt aus dem Umfeld der Künstlerin ergänzt.

Die Fiktion des Raums fasziniert Martina Sauter: geschaffene, pseudoreale Bildwelten. Im Film wird die uns umgebende Wirklichkeit simuliert und so nah an der Realität nachgestellt, dass der Betrachter – gebannt durch die Handlung – die Details nicht beachtet. Gerade um diese räumlichen Details geht es aber der Künstlerin. Sie verknüpft die fiktive Wirklichkeit der Filme mit ihrer eigenen neu erschaffenen Bildwelt und manipuliert somit die bereits zuvor manipulierte Wirklichkeit der Bilder. Der Film als Bewegtbild mit einer zeitlichen Dimension wird angehalten, bildlich gebrochen und neu montiert, zu einer durch lineare Formen und Farbflächen reduzierten Bildwelt, die eher eine Erinnerung an einen Raum darstellt, als ihn selbst. Die Komposition ist immer bewusst gesetzt und lässt nur durch den Titel eine Referenz zum ursprünglichen Film erahnen.

Bei Anna Kolodziejska spielen Komposition und subjektive Erinnerungen eine wesentliche Rolle. Anna Kolodziejska wurde 1976 in Polen geboren und lebt heute in Karlsruhe. Ihre Objekte kommen dem Betrachter sehr vertraut vor. Es sind Bettlacken, Koffer, Stoffe und Töpfe, die wir hier in der Ausstellung sehen: auf den ersten Blick vertraute Gegenstände. Anna Kolodziejska schafft es, dass vertraute Dinge, ohne dass sie diese verändert, zunächst eine Irritation beim Betrachters hervorrufen: Ein Topf mit einem fliegenden Deckel oder ein Laken, in das man hineinsteigen kann. Man könnte von einer Art Abstrahierung und Verfremdung der Gegenstände durch ihre Kontextualisierung im Ausstellungsraum sprechen. Jeder Gegenstand ist bewusst gesetzt.

Wer würde annehmen, dass ein Zweig mit einem Blatt eine Wand füllen kann? Er kann es. Anna Kolodziejska zeigt uns, wie es geht. Die Objekte treten in Dialog mit dem umgeben Raum und mit sich selbst. Oft bestehen die Objekte aus zwei Teilen, ein Topf mit seinem Deckel, ein Zweig mit seinem Blatt. Durch ihre Positionierung treten die Einzelelemente miteinander in eigentümliche Beziehung. Ein minimaler Abstand zwischen Blatt und Zweig definiert die Wandfläche an der sie hängen, das gleiche geschieht beim Topf mit der räumlichen Situation. Anna Kolodziejska taktet, setzt Fläche und Raum. Dabei bleibt sie nicht in der formalen Ebene stehen, sondern gibt dem Betrachter mit Titeln wie „Swimmingpool“ oder „Großer Wagen“ Assoziationsmöglichkeiten an die Hand. Anhand der Gegenstände werden Geschichten wachgerufen. Das Objekt wird zum Auslöser von Erinnerungen und Erzählung. Wie der deutsche Schriftsteller W. G. Sebald anhand von dokumentarischem Material, Geschichten seiner fiktiven Protagonisten erzählt, stellt die Künstlerin hier Objekte als poetische Impulse in den Ausstellungskontext. Der Betrachter ist herausgefordert die Objekte einzuordnen. Bewusst wählt sie Stoffe und Gegenstände, die im Haushalt im täglichen Gebrauch sind. Koffer, Laken, Töpfe, Decken etc. Sie lässt Assoziationswege offen und spielt mit dem gesellschaftlichen Konsens bezüglich der Verwendung dieser Dinge. Der White Cube wird zum Schutzraum der Objekte und zur Herausforderung des Betrachters.

An der großen Wand im hinteren Ausstellungsbereich hängen unterschiedliche, hauptsächlich grafische Arbeiten von Lutz Fezer. Lutz Fezer wurde 1973 in Stuttgart geboren, er lebt und arbeitet in Karlsruhe. Auf den ersten Blick sind die Collagen, Poster und Zeichnungen nicht einfach einzuordnen. Wir betrachten an der Wand ein Filmposter des Films „Weiße Hochzeit“ mit Vanessa Paradis als überlebensgroße Frauenfigur darauf, wir finden Autogrammkarten von Angela Merkel, Frank-Walter Steinmeyer und diversen anderen Politikern übereinandergeschichtet, dann wiederum hängt ein Nitrodruck auf Seide mit einem Portrait von Gustav Landauer daneben, einem der Vordenker und Theoretiker des anarchistischen Sozialismus. Überhaupt ist Lutz Fezers Ansatz ein politischer. Verweise auf politische Agitatoren, gesellschaftliche Missstände und Systemkritik sind in fast jeder seiner Arbeiten versteckt. Eine kleinformatige Collage zeigt z.B. die Arbeitersiedlung von Ludlow in Colorado. Dort wurde 1913 ein Aufstand der Bergarbeiter blutig niedergeschlagen. Das Unternehmen hatte es geschafft, die Bergarbeiter in eine komplette Abhängigkeit zu treiben. Sie mussten in firmeninternen Wohnungen hausen, die Miete wurde vom Lohn abgezogen. Teilweise hatten sie sogar eine interne Währung, die man nur innerhalb des Geländes des Bergwerks ausgeben konnte. Solche Anklänge sind in jeder Collage oder Zeichnung von Lutz Fezer zu finden. Der Künstler sucht nicht den leichten Weg, um seine Inhalte zu vermitteln, der Besucher muss nachfragen und nachforschen. Der Betrachter wird feststellen, dass die Textzitate in den Arbeiten z.T. vom Künstler selbst stammen, z.T. Songtexten und politischen Manifesten entlehnt sind. Verschränkungen und Verschachtelungen dieser intellektuellen Art sind für Lutz Fezers Kunst sehr wesentlich. Schnell spannt er den Bogen von der Hollywood-Schauspielerin Christina Ricci, über das Washington-Monument zu Angela Merkel. Der Betrachter muss sich anstrengen.

Die beiden Monitore vorne gehören zu einer Serie von Arbeiten mit dem Titel „Area studies“ der Künstlerin Mia Bailey. Mia Bailey wurde 1975 in Bangkok geboren und lebt heute in Basel. Die beiden Videos „Germany“ und „Ending“ entstanden im diesem Jahr. Ending ist eine Kooperationsarbeit mit Manuel Frattini, einem Künstler, den Mia Bailey im Paris bei einem Stipendienaufenthalt kennen gelernt hat. Ending zeigt einen Mann in einer bunten Spielzeuglandschaft. Eine Frauenstimme dominiert die Situation, sie erzählt von einer Katastrophe, einer apokalyptischen Szenerie. Der Mann weint. Im Video „Germany“ lesen zwei Männer abwechselnd Wortlisten. Ein Deutscher liest eine Liste von Produkten, die man in deutschen Supermärkten erhält, ein Australier antwortet mit Begriffen aus einem Hegellexikon. Beide sitzen sich gegenüber an einem Tisch. Die Situation ist ruhig, die Kameraperspektive ist fixiert, frontal mit einer Standkamera gefilmt. Mia Bailey wählt bewusst die kastenförmigen Monitore für die Präsentation, es sind kleine Guckkästen. Man hat das Gefühl, das Bild ist auf die Tiefe des Monitors angepasst. Sind die Farben in „Germany“ reduziert, kommen einem die Farben bei „Ending“ bunt und kulissenartig vor – Assoziationen zum Theater und der Performance werden wachgerufen. Durch formale Brüche werden zudem beim film- und videogeübten Auge des Betrachters Irritationen geweckt. Erzählte Zeit und erlebte Zeit sind identisch. Handlung und Geschehen treten gegenüber der Form und Konstruktion in den Hintergrund. Damit rückt die Künstlerin mit ihren Arbeiten in die Nähe des Mediums Malerei und der Performance.

Der zweite Videokünstler des Stipendienjahrgangs 2009 ist Manuel Graf. Manuel Graf wurde 1978 in Bühl geboren, er lebt und arbeitet in Düsseldorf. In seinen animierten Videos schafft er es, naturwissenschaftliche und historische Inhalte über Architektur, Kunst, Design, sowie grundlegende theoretische Modelle und einen ernsthaften Diskurs über Handwerk und Tradition, Technik und Zukunft mit Leichtigkeit zu vermitteln. Dazu verbindet er den theoretischen Inhalt mit spielerischen Elementen, z. B ein Architekturmodell, das sich auf einem Schallplattenspieler dreht. In seinen Videos unterlegt er die Animationen mit Popsongs von Coldplay oder Schlagern von Udo Jürgens. Der Betrachter wippt fröhlich mit, während Funktionsbauten der Antike denen unserer Gegenwart gegenübergestellt werden. Ein besonderes Interesse gilt bei Manuel Graf dem Handwerk. Seit neuestem fertigt er Teeservice und Schuhe an. Diese werden oftmals auch in Performances als Gebrauchsgegenstand genutzt.

Text: Maria Dis, es gilt das gesprochene Wort.