Man könnte diese Nichtkongruenz als einen Verlust beschreiben, wie es z.B. Gerhard Glüher konstatiert. „Wenn das körperlich-sinnliche Erlebnis eines gebauten Raumes, in dem wir uns bewegen, sich verwandelt in ein fotografisches Architekturbild, müssen immer mindestens zwei Phänomene des Wahrnehmungsverlustes in Kauf genommen werden: erstens blendet das Bild die körperliche Raumzeit aus, zweitens gibt es eine flächige Projektion von drei Dimensionen wieder.“

Man kann aber auch den besonderen Reiz verspüren, diese Begrenzung als schöpferischen Antrieb zu nutzen, unsere Welt- und Bildersicht zu befragen. Die hier ausstellenden Künstler sind diesem Reiz voll und ganz erlegen und gehen dieser Befragung auf ganz eigene Art und Weise nach.

Was verleiht diesen Bildern das Besondere, den „Mehrwert“ wie es Volker W. Hamann sagt, nachdem der Verlust der Aura von Bildern doch gerade durch die Fotografie als Mittel der technischen Reproduktion festgestellt wurde ?

Was ist das Besondere, vielleicht Einmalige an diesen Bildern von teilweise alltäglichen Situationen, eigentlich recht unansehnlichen Orten?

Gerhard Glüher schreibt über Wolfram Janzer:“ SeineArt der Architekturfotografie kennt die üblichen medialen Verluste nicht, die zwischen Raumerlebnis und Raumdarstellung üblich sind. Zwar verspannte auch er seine Kompositionen so provokant, dass ästhetische Disharmonien und Strukturungleichgewichte entstehen, doch er ist ein Meister des Equilibriums, der nichts dem Zufall überlässt. Mit dem Instrument seiner Kamera gelingt es ihm, den architektonischen Raum so zu transformieren, dass seine Bilder filigrane und subtile Gleichgewichte darstellen zwischen Flächenstruktur und nachvollziehbarer Raumerfahrung. Janzer, der von der Architektur und der Zeichnung kommt, setzt die Linie als Symbol für eine Raumgeste ein, die sowohl den konkreten Raum meinen, als auch derartig offen sein kann, dass wir nichts anderes zu sehen meinen als die pure Abstraktion. Seine Bilder bewegen sich auf der Grenze zwischen gegenstandsloser Assoziation von Raum an sich und dargestellter Architektur, die sich in poetische Bild-Zeichen verwandeln, hinter denen ein strenger Gestaltungswille steht. Dieser generiert Bildgestalten, in denen die Fläche zum Raum und der Raum zur Fläche wird. Dass diese Verschiebung im Medium der Fotografie gelingt, verdankt sie einzig der Seh-Fähigkeit des Fotografen, welche die Lichtzeichen zu Lichtzeichnungen macht.“

Josh von Staudach zeigt hier Panoramabilder. Das Wort "Panorama" ist griechischen Ursprungs und bedeutet soviel wie "alles (oder) ganz sehen". Schon zu Beginn der Fotografie hat man mehrere Bilder nebeneinander montiert, um ein breiteres Bild und damit mehr von einer Szene zeigen zu können. Bezeichnenderweise war einer der Erfinder der Fotografie, Louis Daguerre,Panoramamaler.

-Wenn man ein 360-Grad-Foto nicht als zylindrisches Bild präsentiert, sondern als flache Darstellung, ist das Motiv elliptisch verzerrt, was den Betrachter fordert, weil es nicht der gewohnten Sehgewohnheit entspricht. Die Standort-Wahl für solche Fotos ist ganz anders als für Einzelbilder, bei denen man den idealen Blickwinkel und Ausschnitt für ein Objekt sucht. Das 360-Grad-Bild zeigt schonungslos alles ringsum. Hieraus eine Bildkomposition zu entwickeln ist auch dadurch sehr abstrakt, weil man das Ergebnis erst am Computer sehen kann. Diese Motive konfrontieren den Betrachter mit einer ungewohnten Fülle von Details, lassen sich aber relativ leicht entschlüsseln, weil es quasi einen durchgehenden "roten Faden" gibt.

Ganz anders die Serie "eschereske Treppenhäuser". „Hier versuche ich, absichtlich größtmögliche Verwirrung zu stiften. Ich drehe die Kamera in einer schiefen (geneigten) Achse durch den Raum und erziele dadurch eine Abwechslung von Aufsicht und Untersicht. Es wird ähnlich schwer wie bei Eschers Grafiken, Boden, Decke, Seitenwände auseinanderzuhalten, bzw. eindeutig zu identifizieren.“

-„In den 4 Exponaten stelle ich das "Hier und Jetzt" in Frage, weil der Betrachter verwirrt wird und skeptisch bleibt, ob es sich um reale Räume handelt. Genau dieser Skepsis stelle ich aber die absolute dokumentarische Realität gegenüber, indem meine Bilder eben nicht collagiert sind, sondern ein exaktes Abbild der Wirklichkeit darstellen, die nur durch die Wahl des fotografischen Mittels "360- Grad-Panorama" eine neue Dimension hinter den Sehnerven des Betrachters zu erzeugen versucht.“

Beobachten wir bei Janzer und Staudach ein Spiel mit unserer Raumwahrnehmung so bildet unser Farbensehen, welches auf die Konstanzbestimmung der Dinge abzielt eine Grundlage der spannenden Arbeiten von Volker W. Hamann.

„Postkommunistische Ansicht“ nennt Volker W. Hamann seine erstaunlich farbigen Nachtaufnahmen. Entstanden sind sie in Almaty, das ist zwar nicht hier, aber als Partnerstadt von Stuttgart doch ganz nahe. Erstaunlich deswegen, weil in den Bildern nichts nachträglich bearbeitet oder verändert ist. Darauf legt er – wie übrigens die anderen Künstlerfotografen auch – großen Wert. Lediglich die Wahl des Standortes, des Bildausschnittes und der Belichtungszeit bestimmen das Ergebnis. Das künstliche Licht aus diversen Quellen erzeugt bei langer Belichtungszeit diese uns falsch erscheinenden Farben.

Gleichsam von innen heraus leuchtend erscheinen diese Relikte einer alten Zeit, unfertige Provisorien einer kommenden. Tatsächlich selbstleuchtende Bilder sind auch in unserer Blackbox zu sehen: Unter dem Titel : „Es ist angerichtet“ werden Beutestücke des Tokioter Fischmarktes zubereitet.

Ganz anders Martin Sigmund:

Auch er bereist die Welt, für ihn es wesentlich den Standort des hier zu wechseln und an einem anderen Ort ein jetzt zu entdecken. Sigmund zeigt uns in der Reihe „Roadtrippin“ Motive aus dem europäischen Ausland, die in ihrer Ausschnitthaftigkeit doch jedem Städter bekannt erscheinen. Sehr leise im auftreten, „intim –anonym“ in der Anmutung sind die Szenen, die er entdeckt. Als wäre der eigentliche, laute und bedeutungsschwere Augenblick gerade schon vorbei, erzählen sie mit feinem Humor beobachtete Geschichten. Die Anordnung der Bilder in Form von „Wolkern“ bildet gleichsam einen „flow“ der Gedanken und Augenblicke. Dem entspricht auch formal nicht der harte Kontrast sondern die ganze Palette der abgestuften Grautöne. Martin Sigmund macht in diesem Sinne keine Schwarz-Weiß-Bilder sondern Grisaille-Malerei. Walter Benjamin bezeichnet die Aura eines Bildes als einmalige Erscheinung einer Ferne, so nahe sie auch sein mag“. Martin Sigmund erweckt den Eindruck einer Nähe bei gleichzeitiger Entferntheit. Trotzdem kann man seinen Fotografien diese Aura nicht absprechen.

Meine sehr verehrten Damen und Herren , nun entlasse ich die Bilderwelt des hier und jetzt, ich wünsche Ihnen interessante Entdeckungen und viel Vergnügen.